Was genau macht die heutige Kunstinstitution so anders, so attraktiv?

Richard Hamiltons berühmtes Kunstwerk ist vielleicht ein guter Ansatzpunkt, um sich mit der Arbeit von Christoph Meier auseinanderzusetzen. Mit „Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?“ von 1956 liefert Hamilton eine Definition der Konsumgesellschaft in einer Collage, die eher Allegorie als Darstellung ist. Es geht ihm um neue Medien und Kommunikation, um alltägliche Materialien und Design, um die strukturelle Analyse einer im Entstehen begriffenen, neuen Weltordnung.

Analog zu Hamilton füllt Meier seine Räume mit Haushaltsgegenständen und Materialien der Industriegesellschaft, die mit Technologie und Handwerk zu tun haben. Meier definiert den Ausstellungsraum durch die Installation eines Rasters, das sich partout weigert, die Begrenzungen oder offensichtlichen Hindernisse der Architektur, die es besetzt, zu akzeptieren. Können wir aufgrund der Unterminierung des Rasters – laut Rosalind Krauss das Emblem des Modernismus – schließen, dass der Modernismus den modernistischen Ausstellungsraum, den White Cube, nicht länger akzeptiert? Oder dass die Werte des Modernismus mit der Realität unvereinbar sind? Christoph Meier spielt mit uns ein Spiel produktiver Widersprüche, damit wir die Konzepte, Reibungspunkte und Regeln heutiger Kunstinstitutionen und Kunstproduktionen verstehen.

Wie Gordon Matta-Clark legt Meier einen begrenzten, existierenden Raum bloß. Gleichzeitig beschäftigt er sich mit aktuellen Problemen der Bildhauerei, indem er die Art und Weise, wie bestimmte Arbeiten einen Raum schmücken, überwindet. Als Minimalist befolgt er die Regel, dass sich BetrachterInnen sowohl der Begegnung mit dem Werk in Echtzeit bewusst sein sollten, als auch des institutionellen Rahmens, in dem das Werk an sich installiert ist. In seinen großformatigen Installationen offenbaren sich Struktur und Architektur als solche, während sie zugleich ihre eigene Existenz infrage stellen. Meier kalibriert die Architektur des Raums neu.

Durch Gedanken und Handlungen, die in der Realität und in Erfahrungen geerdet sind, nähert sich der Wiener Künstler ästhetischen Fragestellungen aus unterschiedlichen Perspektiven. Betrachtet man die österreichische Kunstszene nach 1945, so wird ziemlich klar, dass Meier in einer Tradition künstlerischen Ausdrucks steht, die der visuellen Bedeutung von Kunst größeren Wert beimisst. Die KünstlerInnen der „Wiener Gruppe“ beispielsweise wollten sich von den Praktiken der Vorkriegszeit verabschieden, um bekannte Formen zu verfremden und dadurch Einsichten in die veränderten Seh- und Hörgewohnheiten zu gewinnen, wobei sie die Sprache als Werkzeug der Gesellschaftskritik benutzten. Später erkunden Franz West und VALIE EXPORT jeweils auf unterschiedliche Weise die Interaktion des menschlichen Körpers mit dem skulpturalen Objekt, um dessen sprachliches Potenzial zu analysieren.

Der Gang durch den Ausstellungsraum in einer Installation von Christoph Meier beginnt mit dem Raster als Signifikanten. Darauf folgen Skulpturen, die Wände und Böden besetzen und scheinbar tief in die bestehende Struktur eindringen, als wollten sie mit dem Raum verschmelzen. Schließlich vollzieht Meier die Produktion des Produktionsprozesses, der in der Praxis permanent die eigenen Regeln verändert. Sprache und Materialität treffen sich auf anderen Ebenen: So entwickelt sich ein Beziehungsgeflecht aus Zäsuren und Verbindungen, Herstellungsformen und -prozessen. Die Arbeit bestimmt den Verlauf ihrer eigenen Entwicklung. Eine einzige Interpretation erweist sich als obsolet in dem Moment, in dem sie erdacht wird, weil ihr Gegenstand sich verändert, neue Fragen aufwirft und sich neuen Interpretationen gegenüber öffnet. Meier scheint einen Ausweg aus den etablierten Parametern zu suchen, um dem Raum Komplexität zu verleihen.

Der Künstler kombiniert die abstrakten und architektonischen Auffassungen des Galerieraums mit einer sozialen Struktur, die sich um die narrativen und performativen Potenziale der involvierten Medien dreht. Meiers Raum ist folglich auch ein Ort sozialer Interaktion. Sein Publikum wird Teil der realen, raumgreifenden, architektonischen Struktur. Es wird aufgefordert, sich über die jeweilige Kunstinstitution als Ort der Behauptung und der Spekulation Gedanken zu machen. Und wenn er dabei Schnaps serviert, so zielt das bewusst auf die Wahrnehmung der BesucherInnen.

Diese Publikation entstand aus der Zusammenarbeit von drei verschiedenen Institutionen, die Einzelausstellungen von Christoph Meier gezeigt haben. Der Ausstellungskatalog möchte die unterschiedlichen Aspekte, Umwege und Blickwinkel in Meiers Praxis beleuchten, die in drei vertiefenden Essays von Vanessa Joan Müller, Anna Nowak und Thomas D. Trummer untersucht werden. Die ortsspezifische Herangehensweise von Meiers Installationen bildet die Grundlage für die Ausstellungen im Kunstverein in Hamburg, im Casino Luxembourg und im KIOSK in Gent, die es dem Künstler ermöglichen, seinen diskursiven Raum zu erweitern. Mit jedem Ort werden zusätzliche Aspekte seiner zentralen Fragestellungen berücksichtigt.

Bedanken möchten wir uns bei den beteiligten Teams der Partnerinstitutionen, den Autoren, die zu dieser Publikation beigetragen haben, bei Christoph Meier sowie der Nosbaum Reding Gallery und der Galleria Collicaligreggi für ihre engagierte Unterstützung.

Kevin Muhlen (Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain), Bettina Steinbrügge (Kunstverein in Hamburg), Wim Waelput (KIOSK, Gent)